La ópera de Pekín: Un tesoro cultural chino

La ópera de Pekín: Un tesoro cultural chino

La ópera de Pekín (京剧, Jīngjù) es una de las formas artísticas más emblemáticas de China, un tesoro cultural que combina música, danza, acrobacia, mímica y elementos visuales en un espectáculo único. Este blog explora los diversos aspectos de este fascinante arte escénico que ha sobrevivido por siglos y continúa cautivando al público tanto en China como internacionalmente.

Orígenes e historia

La ópera de Pekín, contrario a lo que su nombre podría sugerir, no es originaria de Pekín (Beijing). Sus raíces se remontan al siglo XVIII, específicamente alrededor de 1790, durante la dinastía Qing. Nació de la combinación de varias formas de ópera regionales, principalmente de las provincias de Anhui y Hubei, que fueron llevadas a la capital imperial para celebrar el cumpleaños del emperador Qianlong.

Originalmente conocida como "ópera de Anhui", esta forma artística ganó popularidad rápidamente entre la corte imperial y eventualmente entre el público general. El patrocinio imperial fue crucial para su desarrollo y refinamiento. A mediados del siglo XIX, la forma artística ya se había establecido firmemente y comenzó a conocerse como "ópera de Pekín".

Durante el período republicano (1912-1949), la ópera de Pekín experimentó un período de gran innovación y modernización. Después de la fundación de la República Popular China en 1949, fue reconocida como un "tesoro nacional", aunque también sufrió cambios significativos durante la Revolución Cultural (1966-1976).

Temática

Las historias representadas en la ópera de Pekín tradicionalmente se derivan de:

• Historia china: Batallas famosas, intrigas de la corte imperial y eventos históricos significativos.
• Literatura clásica: Adaptaciones de novelas clásicas como "Romance de los Tres Reinos", "Viaje al Oeste" y "A la orilla del agua".
• Leyendas y folclore: Historias de héroes míticos, dioses, inmortales y seres sobrenaturales.
• Conflictos morales: Representaciones de virtudes confucianas como la lealtad, piedad filial, integridad y rectitud.

Estos temas suelen dividirse en dos categorías principales:

• Óperas civiles (文戏, wénxì): Centradas en historias de amor, asuntos domésticos y temas sociales.
• Óperas militares (武戏, wǔxì): Enfocadas en batallas, conflictos y exhibición de habilidades acrobáticas.

Tipos de personajes

La ópera de Pekín clasifica sus personajes en cuatro tipos principales, cada uno con técnicas de actuación, maquillaje y vestuario específicos:

1. Sheng (生): Personajes masculinos

   • Laosheng: Hombres maduros, sabios y respetables
   • Xiaosheng: Jóvenes eruditos o académicos
   • Wusheng: Guerreros y personajes marciales

2. Dan (旦): Personajes femeninos

   • Qingyi: Mujeres jóvenes y virtuosas de la alta sociedad
   • Huadan: Muchachas vivaces y coquetas
   • Wudan: Mujeres guerreras con habilidades de combate
   • Laodan: Mujeres ancianas

3. Jing (净): Personajes con rostros pintados

   • Generalmente representan guerreros poderosos, dioses, demonios, bandidos o personajes de personalidad ruda y directa
   • Se caracterizan por su maquillaje facial elaborado que simboliza la personalidad y el destino del personaje

4. Chou (丑): Personajes cómicos o bufones

   • Suelen ser astutos, graciosos y a veces corruptos
   • Se distinguen por una mancha blanca en la nariz y alrededor de los ojos

Simbología de los colores

El maquillaje facial o "lianpu" es uno de los aspectos más distintivos de la ópera de Pekín. Los colores tienen significados simbólicos específicos:

• Rojo: Lealtad, coraje, honestidad y virtud
• Negro: Integridad, honradez y carácter firme
• Azul/Verde: Ferocidad, impulsividad o personajes sobrenaturales
• Amarillo: Ambición, ferocidad o crueldad
• Blanco: Astucia, traición o personajes sospechosos
• Dorado y Plateado: Dioses y seres inmortales
• Púrpura: Rectitud, honor y justicia

Estos colores se combinan en patrones específicos para crear máscaras faciales que revelan instantáneamente la naturaleza del personaje al público conocedor.

Duración de las representaciones

Tradicionalmente, las representaciones de la ópera de Pekín podían durar muchas horas o incluso días enteros. Sin embargo, en la actualidad:

• Representaciones completas: Suelen durar entre 3 y 4 horas
• Extractos famosos (折子戏, zhēzi xì): Escenas seleccionadas que duran entre 30 minutos y una hora
• Representaciones turísticas: Versiones abreviadas de 1-2 horas diseñadas para audiencias internacionales

Para eventos especiales o festivales tradicionales, todavía se pueden ver representaciones más largas y elaboradas.

Instrumentos musicales

La orquesta de la ópera de Pekín se divide en dos secciones:

Sección de cuerdas y viento (文场, wénchǎng):

• Jinghu: Un violín de dos cuerdas, el instrumento principal que acompaña a los cantantes
• Erhu: Otro violín tradicional de dos cuerdas
• Yueqin: Un laúd con forma de luna
• Pipa: Un laúd en forma de pera
• Dizi: Flauta de bambú

Sección de percusión (武场, wǔchǎng):

• Daluo: Gong grande
• Xiaoluo: Gong pequeño
• Tanggu: Tambor de barril
• Ban: Claves de madera que marcan el ritmo
• Naobo: Címbalos pequeños

La música de la ópera de Pekín sigue patrones melódicos conocidos como "qupai" (曲牌) y se caracteriza por sus cambios dramáticos de tempo y volumen para acompañar la acción en el escenario.

Formación de los actores

La formación tradicional de un actor de la ópera de Pekín es extremadamente rigurosa y comienza a una edad muy temprana, generalmente entre los 7 y 10 años. El entrenamiento incluye:

1. Entrenamiento físico básico: Flexibilidad, fuerza y resistencia
2. Movimientos acrobáticos (武功, wǔgōng): Volteretas, saltos y movimientos de combate estilizados
3. Técnicas vocales (唱腔, chàngqiāng): Control de la respiración, proyección y técnicas de canto específicas
4. Actuación y expresión facial (做, zuò): Gestos codificados y expresiones faciales para transmitir emociones
5. Recitación y diálogo (念, niàn): Patrones específicos de habla y entonación
6. Danza y movimiento (身段, shēnduàn): Posturas y gestos estilizados

Este entrenamiento tradicionalmente duraba más de diez años antes de que un estudiante pudiera presentarse profesionalmente. Los estudiantes solían especializarse en un tipo específico de personaje y aprender repertorios completos.

Aunque el sistema tradicional de aprendices se ha modernizado, las escuelas contemporáneas de ópera de Pekín, como la Academia Nacional de Ópera China en Beijing, mantienen estándares rigurosos y una formación intensiva.

Dramaturgos y obras célebres

A diferencia de la ópera occidental, la ópera de Pekín tradicionalmente no atribuía las obras a autores específicos, ya que muchas evolucionaron a través de la tradición oral y la adaptación colectiva. Sin embargo, algunos dramaturgos notables incluyen:

• Guan Hanqing (siglo XIII): Aunque precede a la ópera de Pekín, muchas de sus obras fueron adaptadas a este formato
• Hong Sheng (1645-1704): Autor de "El palacio de la eterna juventud"
• Mei Lanfang (1894-1961): Además de ser el más famoso intérprete de roles dan, también creó y adaptó numerosas obras
• Tian Han (1898-1968): Dramaturgo moderno que reformó y adaptó obras tradicionales

Obras más famosas

"Adiós a mi concubina" (霸王别姬, Bàwáng Bié Jī)

Esta tragedia narra la historia del general Xiang Yu y su concubina Yu Ji antes de su derrota final. Cuando Xiang Yu se encuentra rodeado por el ejército enemigo, Yu Ji realiza una última danza con espada para animarlo y luego se suicida con la misma espada para no ser una carga para él.

"La historia del pabellón occidental" (西厢记, Xī Xiāng Jì)

Una historia de amor entre Zhang Sheng, un joven erudito, y Cui Yingying, hija de una familia noble. Su romance debe superar numerosos obstáculos, incluyendo la oposición de la madre de Cui.

"La serpiente blanca" (白蛇传, Bái Shé Zhuàn)

Una leyenda fantástica sobre una serpiente blanca que se transforma en una hermosa mujer llamada Bai Suzhen y se enamora de un erudito humano, Xu Xian. Su amor es obstaculizado por un monje budista que intenta revelar la verdadera identidad de Bai y separarlos.

"El Rey Mono causa estragos en el cielo" (孙悟空闹天宫, Sūn Wùkōng Nào Tiāngōng)

Basada en un episodio de la novela clásica "Viaje al Oeste", esta obra muestra al Rey Mono desafiando a los dioses celestiales con sus poderes sobrenaturales.

Ópera tradicional vs. moderna

Ópera tradicional

• Se adhiere estrictamente a formas y convenciones establecidas
• Utiliza lenguaje clásico y arcaico
• Se centra en temas históricos o mitológicos
• Emplea técnicas de actuación altamente estilizadas
• Mantiene la instrumentación tradicional

Ópera moderna

• Incorpora elementos contemporáneos en vestuario y escenografía
• Utiliza un lenguaje más accesible
• Explora temas sociales y políticos actuales
• Simplifica algunas convenciones para llegar a audiencias más amplias
• Puede integrar instrumentos occidentales o tecnología moderna
• Experimenta con formas de narración innovadoras

Temas contemporáneos en la ópera de Pekín

Aunque las obras tradicionales siguen siendo el núcleo del repertorio, desde mediados del siglo XX han surgido obras que abordan temas contemporáneos:

• Durante la era maoísta (1949-1976), se crearon "óperas revolucionarias" como "La linterna roja" y "Shajiabang" que trataban sobre la revolución comunista y la resistencia contra los japoneses.
• En las décadas recientes, algunas compañías han experimentado con obras que abordan temas actuales como la urbanización, los cambios sociales y los dilemas morales contemporáneos.
• Sin embargo, estas obras modernas representan solo una pequeña parte del repertorio total, y la mayoría de las representaciones siguen centrándose en el repertorio clásico.

Canciones famosas

Algunas arias (唱段, chàngduàn) de la ópera de Pekín han trascendido su contexto original y son reconocidas y apreciadas independientemente:

• "Soy el señor del monte Liang" de "A la orilla del agua": Un aria cantada por el personaje Lin Chong que ha ganado fama por su intensidad emocional.
• "Despidiéndome de mi amada" de "Adiós a mi concubina": Una pieza conmovedora que expresa amor y desesperación.
• "Mirando el cielo desde la montaña Taihang" de "Taking Tiger Mountain by Strategy": Un aria revolucionaria que se hizo popular durante la era maoísta.

Estas arias a veces se interpretan en conciertos, competiciones de canto o programas de televisión fuera del contexto de la ópera completa.

Difusión internacional y diáspora china

La ópera de Pekín ha viajado junto con las comunidades chinas por todo el mundo:

• En ciudades con importantes comunidades chinas como San Francisco, Nueva York, Londres, Sydney y Singapur, existen compañías y escuelas dedicadas a preservar esta tradición.
• Festivales culturales internacionales frecuentemente incluyen representaciones de ópera de Pekín como parte de intercambios culturales.
• Universidades y conservatorios occidentales han comenzado a incorporar estudios de ópera de Pekín en sus programas de teatro y música.
• Las comunidades de la diáspora china a menudo ven la ópera de Pekín como una forma de mantener su conexión con la cultura tradicional china, especialmente para las generaciones más jóvenes nacidas en el extranjero.

La ópera de Pekín también ha influido en artistas occidentales, desde el teatro experimental de Bertolt Brecht hasta el cineasta chino-estadounidense Ang Lee, cuya película "Crouching Tiger, Hidden Dragon" incorpora elementos estéticos de este arte escénico.

Desafíos y futuro

A pesar de su estatus como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO (desde 2010), la ópera de Pekín enfrenta desafíos en la era moderna:

• Competencia de formas de entretenimiento más accesibles y modernas
• Envejecimiento de su audiencia tradicional
• Dificultades para atraer a jóvenes intérpretes debido a la rigurosa formación requerida
• Adaptar un arte tradicional para hacerlo relevante para las audiencias contemporáneas sin perder su esencia

Sin embargo, hay señales positivas:

• Mayor apoyo gubernamental para preservar este patrimonio cultural
• Innovaciones que intentan hacer la ópera de Pekín más accesible a nuevas audiencias
• Creciente interés internacional como parte de la influencia cultural global de China
• Experimentación con fusiones de ópera de Pekín con formas artísticas contemporáneas

La ópera de Pekín continúa siendo un arte vivo que evoluciona manteniendo un delicado equilibrio entre preservación e innovación.

(CC) Manuel Velasco/La Memoria del Viento

La Flauta Mágica y su simbolismo masónico

 

El enfrentamiento simbólico entre la luz y la oscuridad,
con los personajes principales de la ópera en un escenario lleno de magia y misticismo.

La Flauta Mágica 

y su simbolismo masónico

La Flauta Mágica (1791), la ópera más emblemática de Wolfgang Amadeus Mozart, ha sido objeto de análisis en múltiples disciplinas, desde la musicología hasta el esoterismo. Una de las interpretaciones más fascinantes se refiere a su profunda vinculación con los ritos y principios de la masonería, sociedad a la que Mozart pertenecía desde 1784. La ópera no solo es una alegoría de la lucha entre la luz y la oscuridad, sino que también refleja los principios de la iniciación masónica, que buscan la transformación espiritual y el acceso a la sabiduría.

El contexto masónico de Mozart

Mozart vivió en un período donde las ideas ilustradas estaban en pleno apogeo, y las logias masónicas jugaban un papel importante en la difusión de estas ideas. Como miembro activo de la logia Zur Wohltätigkeit en Viena, Mozart estuvo inmerso en el pensamiento masónico, que influyó tanto en su vida como en su obra. Este contexto cultural y filosófico se plasma en la estructura narrativa y en los simbolismos presentes en La Flauta Mágica.

Los personajes como alegorías masónicas

Muchos personajes de la ópera representan arquetipos vinculados a los ritos de iniciación y las jerarquías masónicas:

• Sarastro: El sumo sacerdote, gobernante del reino de la luz, simboliza el Gran Maestro de la Logia. Es la personificación de la sabiduría y la razón iluminada, virtudes centrales de la masonería.

• La Reina de la Noche: Contraparte de Sarastro, representa la ignorancia y el despotismo, una figura que se asocia con las fuerzas de la oscuridad, oponiéndose al camino de la iluminación.

• Tamino: El príncipe protagonista, es una clara figura del iniciado. Su viaje en la ópera es una alegoría del proceso iniciático masónico, pasando por pruebas de fuego y agua para alcanzar la iluminación y la verdad.

• Pamina: Como hija de la Reina de la Noche, Pamina representa el alma pura, que Tamino debe rescatar. Su liberación simboliza el triunfo del conocimiento sobre la ignorancia.

Simbolismos en la escenografía y música

La ópera está plagada de referencias numéricas y simbólicas que remiten a la masonería:

• El número tres: Fundamental en la simbología masónica, aparece recurrentemente en La Flauta Mágica. Desde el inicio, con los tres acordes en la obertura, hasta la presencia de los tres niños sabios que guían a Tamino, el número tres representa las tres virtudes principales de la masonería: sabiduría, fuerza y belleza.

• La flauta y las campanillas: Los instrumentos mágicos que reciben Tamino y Papageno son símbolos de la armonía y el equilibrio que otorga el conocimiento. La música misma es un lenguaje trascendental que, al igual que los rituales masónicos, busca la elevación espiritual.

Las pruebas de iniciación

Uno de los elementos más claros que vinculan la ópera con la masonería es el proceso de iniciación que atraviesan Tamino y Pamina. Ambos deben superar pruebas de fuego y agua, que son análogas a las pruebas simbólicas que enfrentan los aspirantes a la masonería. Estas pruebas simbolizan el dominio sobre los elementos y la purificación del espíritu, pasos necesarios para alcanzar la sabiduría y la verdad.

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Conclusión: La Flauta Mágica como iniciación espiritual

Más allá de ser una obra musical excepcional, La Flauta Mágica es un canto a los ideales de la Ilustración y la masonería, en la que el individuo, mediante la razón, la virtud y el sacrificio personal, podría alcanzar un estado superior de conocimiento. Para Mozart, esta ópera no solo era una expresión artística, sino también un mensaje cifrado de los principios que regían su vida y su pensamiento.

La Flauta Mágica no deja de ser un ejemplo brillante de cómo la música puede entrelazarse con la filosofía y la espiritualidad, ofreciendo al espectador no solo una experiencia estética, sino también una reflexión profunda sobre lo que el compositor consideraba el camino hacia la luz.

La ópera completa

Taiko (tambor japonés)

Taiko / VALMC97

Taiko (太鼓 "gran tambor") era el tambor de guerra en el Japón antiguo, con el que se comunicaban las órdenes a las tropas, al modo de nuestros toques de corneta. También se empleó en rituales religiosos y en las obras de teatro tradicional (kabuki, noh y gagaku).

Pero ahora esta palabra da nombre al conjunto de tambores japoneses. Y por extensión a un grupo de percusionistas como el del vídeo de abajo.

Hay dos tipos básicos de tambores: los que tienen las membranas clavadas a la madera o los que sujetan las sujetan con aros metálicos. 

El taiko moderno (kumi-daiko, 組み太鼓, "conjunto de tambores") surgió en 1951 de la mano de un baterista de jazz llamado Daihachi Oguchi, reuniendo tambores de distintos tamaños, materiales, formas y tonalidades.

En este video se muestra un buen ejemplo de un taiko moderno, 

compuesto completamente por percusionistas femeninas.

La canción más antigua conocida de la humanidad

El Himno Hurriano nº6 

es la más antigua canción escrita conocida, 

que está dedicada a Nikkal, la esposa de Yarikh, 

el dios mesopotámico de la Luna.

En 1950 se descubrieron 29 textos musicales grabados sobre tablillas de arcilla con signos cuneiformes, en Ugarit (actual Siria). De ellos, solo uno ha podido ser descifrado, pudiéndose así recrear la composición, ya que el texto indica los nombres de las cuerdas de un sammûm (especie de lira de 9 cuerdas), relacionados con deidades y cuerpos celestes.

Ha habido varios intentos de traducir la letra, siendo aceptada la de Theo J. H. Krispijn como la más completa.

x asḫastaniyaza

tsive sinute tsuturiye ubugarat

(ḫumaroḫat uveri) ḫumaroḫat uveri fandanita kre kurkurta

izalla ulali kapki ulifki sret unozo

(fezal tadiv tiziya) fezal tadiv tiziya unol kapsile

unolt agli samsammeni talil uglal tunonida tsa-x-x-x-x-ka

(kaledanil Nikalla) kaledanil Nikalla niḫrazal ḫana ḫanodedi atayastal

adarre ḫowedi ḫanoka x-zu x-x-x-asati feve ḫanoko

—-

Para los que te están ofreciendo (?)

Prepara dos panes que ofrecen en sus bandejas, mientras estoy haciendo un sacrificio delante de él.

Ellos han elevado los sacrificios hasta el cielo para (su) bienestar y fortuna.

Al símbolo de la espada de plata en el lado derecho (de su trono) los he ofrecido.

Los anularé (los pecados). Sin ocultarlos ni negarlos (los pecados), los traeré para ser aceptados.

Amas a los que vienen para estar protegidos (reconciliados).

He venido a ponerlos delante de vosotros y llevarlos a través de un ritual de reconciliación. Yo te honraré y en (tu) escabel no ….

Es Nikkal quien los fortalecerá. Ella dejó que las parejas casadas tuvieran hijos.

Ella los dejó llevar por sus padres.

Pero el engendrador gritará: ¡”Ella no ha parido ningún niño!”. “¿Por qué no he nacido yo como verdadera esposa para ti? “

En otras tablillas, dado su mal estado de conservación, no se han podido descifrar sus canciones, pero sí el nombre de cuatro compositores: Tapšiẖuni, Puẖiya, Urẖiya y Ammiya.

El pianista Malek Jandali y la orquesta sinfónica de Siria, en la Casa de la Opera de Damasco, 2010.

Versión de Michael Levy, en su disco Ancient Landscapes

OREKA TX EN ESTONIA

 

Oreka TX 

Oreka: equilibrio + TXalaparta

+ info Wikipedia

Video: Oreka TX  en el "Viljandi folk music festival" (Estonia, 2011)

Paleowolf: Meditaciones prehistóricas

Paleowolf
neoshmanic arqueofolk

tribal/dark ambient project aimed at invoking the ancient spirits of prehistoric past.

La era de Paleowolf está ambientada en tiempos anteriores, durante y posteriores a la Edad del Hielo, cuando los humanos aún vivían como cazadores-recolectores. Paleowolf combina ritmos de tambores tribales e instrumentos antiguos con drones ambientales oscuros y coros épicos para crear una atmósfera antigua de asombro, misterio, contacto con la naturaleza y abrir los canales espirituales primordiales con la mente humana antigua a través de la memoria genética de la humanidad.

Prehistoric Meditations (2017)

Este álbum se realizó exclusivamente como una edición especial de música ambiental con temas de la era prehistórica y el chamanismo primordial, con fines meditativos y de relajación.

Esta es una pieza ambiental de 1 hora entretejida con llamadas rituales chamánicas que pretende transportarte a estos tiempos mágicos, al pasado arcaico y lejano que se extiende por todo el paleolítico-neolítico, conectándote energéticamente con la Humanidad primigenia a través de los caminos secretos de tu profunda memoria genética.

paleowolf.bandcamp.com

Dijara / Cuélebre

Dijara, tercer disco de Cuélebre

con Yhandros Huergo como axis mundi de un grupo que ha sufrido innumerables cambios desde su origen.

Nuevo folk ancestral ibérico con reminiscencias rituales.

MACHA STEBULO ANI BRUNKO KEBNO SINDO MACHA STEBULO ANI WIKTO STEBULO ANI SINDO URA, KWE SINDO BULATO KEBNO NANKEO STEBULO ANI WIKTO STEBULO ANI BRUNKO KEBNO SINDO MACHA STEBULO ANI AN-KOB-JE SIN EXS-BU WIRTH KWANI KROWO LABRO KWANI WAILI AUSOS BREITO ANKOBJE TRINS BREITO ANKOBJE TRINS

Caminando donde lleva el viento, 

recordando la maldición de Macha. 

La tierra y su olor recuerdos traerán. 

Caminando donde lleva el viento, 

olvidando la falsa verdad. 

Cuando el cuervo habla y el lobo escucha. 

El mensaje se pierde entre los árboles. 

Dos caminos se vislumbran 

¿qué camino indicará el viento? 

¿qué camino mostrará la tierra? 

Cuando el cuervo habla y el lobo escucha. 

El mensaje se pierde entre los árboles.

El disco completo en Bandcamp

Paleowolf: Primordial

Paleowolf es un proyecto de tribal/dark ambient destinado a invocar a los antiguos espíritus del pasado prehistórico. 

Paleowolf / Primordial

Paleowolf es una meditación para revivir esos eones prehistóricos oscuros, olvidados y misteriosos, que abarcan desde la época anterior al nacimiento del hombre hasta el comienzo de las edades paleolítica y neolítica.

Primordial es revivir esas eras, trayendo la era olvidada del pasado de la humanidad al eterno Ahora. Esto es la era anterior al lenguaje, cuando todos los seres se comunicaban solo musicalmente, con sonidos y notas, tal como la mayoría de los seres todavía se comunican en la actualidad.

Los primeros humanos se comunicaban con símbolos y sonidos, que luego se convirtieron en representaciones complejas que ahora llamamos "el lenguaje". En aquellos días místicos y mágicos, los cantos chamánicos y animales eran el principal canal de comunicación con las fuerzas del Cosmos, las fuerzas de la Naturaleza y la Tierra.

Regocijaos una vez más, Hijos de la Tierra, mientras el gran y ancestral espíritu se manifiesta dentro de este mundo. Unámonos a la caminata por los bosques primigenios con el arquetipo de un antiguo chamán, el primero y principal conector de los reinos físicos y espirituales perdidos de la Naturaleza.

Un bosque es un lugar mágico, un hogar primordial en el que la humanidad creció y dio algunos de sus primeros pasos. En los albores de los tiempos, rodeado de la verde y exuberante vegetación, a la sombra de los árboles arcaicos, con los rayos del sol vislumbrando a través de las copas de los árboles poderosos... Cazando, buscando comida, caminando y durmiendo junto a los bichos y criaturas, insectos, pájaros y fieras... Todos juntos en el Gran Ciclo de la vida y la naturaleza...

Paleoshaman es una obra especial creada a partir de la meditación sobre la era ancestral prehistórica, y está destinada a servir con fines de meditación. En primer lugar, esto está dedicado a los paleocultivos de Lepenski Vir y Vinca, que alguna vez se alzaron con orgullo en las tierras de las que vengo. La antigua religión del animismo, que toda la naturaleza está viva y consciente, junto con la noción de la fuerza divina que diseñó las leyes, se está convirtiendo en una. Las tallas en la piedra revelan los misterios del pasado y del Universo mismo. El conocimiento se pierde en la escritura, pero los arquetipos quedan en nuestro subconsciente. ¿Somos capaces de comprenderlos completamente?

WhoMadeWho en Abul Simbel

 

WhoMadeWho, trío danés formado en 2003 por Jeppe Kjellberg, Tomas Barfod y Tomas Høffding.

☞ WhoMadeWho
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WhoMadeWho live at Abu Simbel, Egypt for Cercle

The most thrilled we have been in many years! We are performing for legendary Cercle in front of Abu Simbel temple in Egypt. The date for our performance, 22/02, is specific for the solar alignment on the face of Ramses II. The dawn sunlight is aligned to light up the entire length of the temple entrance corridor, lighting up three of the four statues at the end of the corridor. Only the statue of Ptah, the god of the underworld, remains in darkness. This is next level temple vibes...

Grabación original

Dédalo e Icaro

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En la mitología griega, Ícaro (en griego antiguo Ἴκαρος Ikaros) es hijo del arquitecto Dédalo, constructor del laberinto de Creta, y de una esclava. Fue encarcelado junto a él en una torre de Creta por el rey de la isla, Minos.

Dédalo consiguió escapar de su prisión, pero no podía abandonar la isla por mar, ya que el rey mantenía una estrecha vigilancia sobre todos los veleros, y no permitía que ninguno navegase sin ser cuidadosamente registrado. Dado que Minos controlaba la tierra y el mar, Dédalo se puso a trabajar para fabricar alas para él y su joven hijo Ícaro. Enlazó plumas entre sí empezando por las más pequeñas y añadiendo otras cada vez más largas, para formar así una superficie mayor. Aseguró las más grandes con hilo y las más pequeñas con cera, y le dio al conjunto la suave curvatura de las alas de un pájaro. Ícaro, su hijo, observaba a su padre y a veces corría a recoger del suelo las plumas que el viento se había llevado, y tomando cera la trabajaba con su dedos, entorpeciendo con sus juegos la labor de su padre.

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Cuando al fin terminó el trabajo, Dédalo batió sus alas y se halló subiendo y suspendido en el aire. Equipó entonces a su hijo de la misma manera, y le enseñó cómo volar. Cuando ambos estuvieron preparados para volar, Dédalo advirtió a Ícaro que no volase demasiado alto porque el calor del sol derretiría la cera, ni demasiado bajo porque la espuma del mar mojaría las alas y no podría volar. Entonces padre e hijo echaron a volar.

Pasaron Samos, Delos y Lebintos, y entonces el muchacho comenzó a ascender como si quisiese llegar al paraíso. El ardiente sol ablandó la cera que mantenía unidas las plumas y éstas se despegaron. Ícaro agitó sus brazos, pero no quedaban suficientes plumas para sostenerlo en el aire y cayó al mar. Su padre lloró y lamentando amargamente sus artes, llamó a la tierra cercana al lugar del mar en el que Ícaro había caído Icaria en su memoria. Dédalo llegó sano y salvo a Sicilia bajo el cuidado del rey Cócalo, donde construyó un templo a Apolo en el que colgó sus alas como ofrenda al dios.

El mito de Ícaro aborda temas como las relaciones padre-hijo y el deseo del hombre de ir siempre más lejos, aún a riesgo de tener que encontrarse cara a cara con su condición de simple ser humano.

(Wikipedia)

Numerosos grupos de heavy metal han acudido a la mitología para inspirarse. Tal es el caso de los ingleses Iron Maiden, con este tema sobre la leyenda de Ícaro.



Iron Maiden / Flight of Icarus

As the sun breaks above the ground
An old man stands on the hill
As the ground warms to the first rays of light
A birdsong shatters the still

His eyes are ablaze
See the madman in his gaze

Fly on your way like an eagle
Fly as high as the sun
On your wings like an eagle
Fly and touch the sun

Now the crowd breaks and a young boy appears
Look the old man in his eyes
As he spreads his wings and shouts at the crowd
'In the name of God my father I fly'

His eyes seem so glazed
As he flies on the wings of a dream
Now he knows his father betrayed
Now his wings burn to ashes to ashes his grave

Fly on your way like an eagle
Fly as high as the sun
On your wings like an eagle
Fly and touch the sun

El vuelo de Ícaro

Mientras el sol surge tras la tierra
Un anciano permanece en la colina
Mientras la tierra se calienta con los primeros rayos de luz
Una canción alada hace pedazos la quietud

Sus ojos llamean
Contempla la locura en su mirada

Vuela siguiendo tu rumbo como un águila
Vuela tan alto como el sol
Con tus alas, como un águila
Vuela hasta tocar el sol

Ahora la muchedumbre se abre y aparece un muchacho
Mira al anciano en sus ojos
Mientras extiende sus alas y grita a la multitud
'Vuelo en nombre de Dios, mi padre'

Sus ojos parecen tan vidriosos
Mientras vuela en las alas de un sueño
Ahora conoce a su padre engañado
Ahora sus alas arden y se convierten en cenizas para su sepultura

Vuela siguiendo tu rumbo como un águila
Vuela tan alto como el sol
Con tus alas, como un águila
Vuela hasta tocar el sol

Loreenna Mckennitt - Nights from the Alhambra

Loreena McKennitt

Nights from the Alhambra

Discos y vídeo grabados en los conciertos de los días 13, 14 y 15 de septiembre de 2006, en el Palacio de Carlos V de la Alhambra de Granada.

Discs and video recorded in the concerts of the days 13, 14 and 15 of September of 2006, in the Palace of Carlos V in the Alhambra of Granada.

The Mystics Dream
She Moved Through the Fair
Stolen Child
The Mummer's Dance
Penelope's Song
Marco Polo
The Bonny Swans
Dante's Prayer
Caravanserai
Bonny Portmore
Santiago
Raglan Road
All Souls Night
The Lady of Shalott
The Old Ways
Never-Ending Road (Amhrán Duit)
Huron 'Beltane' Fire Dance
Cymbeline

Loreena McKennitt, vocalista, piano, arpa y acordeón.
Tal Bergman, percusión
Panos Dimitrakopoulos, kanoun
Nigel Eaton, hurdy gurdy
Steáfán Hannigan, bodhrán y gaita irlandesa
Brian Hughes, guitarra y oud
Tim Landers, bajo
Caroline Lavelle, violonchelo
Rick Lazar, percusión,
Hugh Marsh, violín
Donald Quan, viola
Sokratis Sinopoulos, lira
Haig Yazdjian, oud

CDs

web oficial

El Anillo del Nibelungo (Wagner)

El anillo del nibelungo (Der Ring des Nibelungen, en alemán) es un ciclo de cuatro óperas épicas, compuestas por Richard Wagner basadas libremente en figuras y elementos de la mitología germánica, particularmente las Sagas islandesas y del Cantar de los Nibelungos medieval. Estas óperas son El oro del Rin (Das Rheingold), La valquiria (Die Walküre), Sigfrido (Siegfried) y El ocaso de los dioses (Götterdämmerung), todas ellas forman parte del Canon de Bayreuth. El libreto y la música fueron escritas por Richard Wagner en el curso de veintiséis años, de 1848 a 1874.

La tetralogía completa en Spotify

(Daniel Borenboin, Bayreuth, 1991)

El oro del Rin es la primera de las cuatro óperas. Se estrenó en el Hoftheater de Múnich el 22 de septiembre de 1869, con August Kindermann en el papel de Wotan, Heinrich Vogl como Loge y Wilhelm Fischer como Alberich.

Sinopsis:

Tres ninfas custodian el oro situado en el fondo del río Rin. El enano Alberich (un nibelungo) lo roba y fabrica con él un anillo mágico.

El dios Wotan ha ordenado a dos gigantes que levanten un castillo. Les dará como premio a Freia, la Diosa de la Juventud, pero ésta se niega. Entonces Wotan, de acuerdo con Loge (el semidios del Fuego), decide apoderarse del oro acumulado por Alberich para ofrecérselo a los gigantes en lugar de Freia.

Mientras tanto Alberich ha adquirido un yelmo mágico que le permite hacerse invisible o transformarse en diversos animales. Mediante una artimaña Wotan lo apresa y se hace con el anillo. Alberich pone una maldición sobre todo aquél que desee el anillo.

Brunhilde, dreaming of Ragnarok by ~taisteng/Deviantart

La valquiria (Die Walküre) es la segunda de las cuatro óperas o tetralogía del ciclo titulado El anillo del nibelungo (Der Ring des Nibelungen), de Richard Wagner, y la que se representa más asiduamente, incluso separada del ciclo completo.

Amalie Materna, la primera Brünnhilde
en el Festival de Bayreuth, 1876.

Fue estrenada en el Hoftheater (Teatro de la Corte, hoy Teatro Nacional de Múnich), el 26 de junio de 1870, con August Kindermann como Wotan, Heinrich Vogl como Sigmundo, Therese Vogl como Siglinda y Sophie Stehle como Brunilda. En España se estrenó el 25 de enero de 1899, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Forma parte del Canon de Bayreuth.

Wagner se inspiró en la mitología nórdica al escribir esta obra, específicamente en la Saga Volsunga. En la versión simplificada del compositor, las valquirias son las hijas del dios Wotan y la madre tierra, la diosa Erda, concebidas como doncellas guerreras para defender el Olimpo germánico, el Walhalla, del acecho los Nibelungos y recoger las almas de los héroes muertos en batalla para llevarlos a su descanso eterno en el Walhalla.

La valquiria preferida de Wotan es Brunilda (Brünnhilde), que representa su verdadera voluntad por sobre los designios de su esposa Fricka (diosa del matrimonio). Será Brunilda quien desobedecerá a su padre y desatará la tragedia resultante en El ocaso de los dioses (Götterdämmerung).

La famosa introducción al tercero y último acto describiendo a las guerreras semidiosas en sus corceles se conoce como «Cabalgata de las valquirias».

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Libreto alemán/español

Sigfrido (Siegfried, en alemán) es una ópera de Richard Wagner basada en las leyendas de los nibelungos. Siegfried es la tercera de las cuatro óperas que forman parte de la tetralogía de El anillo del nibelungo (Der Ring des Nibelungen).

Esta obra se estrenó en el Teatro del Festival de Bayreuth el 16 de agosto de 1876 como parte de la primera representación completa de la saga de El anillo del nibelungo y forma parte del Canon de Bayreuth.

Entre el reparto que estrenó dicha obra se encontraban Georg Unger como Sigfrido, Max Schlosser en el rol de Mime, Franz Betz como el vagabundo (Wotan), Karl Hill apareció como Alberich y Amalie Materna en el papel Brunilda (Brünnhilde).

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libreto alemán/español

El ocaso de los dioses (Götterdämmerung, en alemán) es la última de las cuatro óperas que componen el ciclo El anillo del nibelungo (Der Ring des Nibelungen) de Richard Wagner.

Fue estrenada en el marco del primer Festival de Bayreuth el 17 de agosto de 1876, como parte de la primera producción completa del ciclo y forma parte del Canon de Bayreuth.

El reparto fue el siguiente: Georg Unger (Sigfrido), Eugen Gura (Gunther), Gustav Siehr (Hagen), Amalie Materna (Brunilda) y Luise Jaide (Gutruna).

En España se estrenó el 16 de noviembre de 1901, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona.

Última obra de la tetralogía del Anillo, El ocaso de los dioses narra la historia de cómo el anillo maldito hecho con oro robado al Rin por el enano Alberich, perteneciente a la raza de los nibelungos, causa la muerte de Sigfrido, pero también la destrucción del Valhalla, la morada de los dioses, donde moraba Wotan.

Prólogo

Las tres nornas tejen sobre su cuerda de la Ley Primigenia; en ella las Nornas pueden leer el futuro y, horrorizadas, predicen la muerte de Sigfrido y... la cuerda se les rompe. Se quedan mudas.

Acto 1

Sigfrido se despide de Brunilda, la valquiria, a quien ha despertado y ha hecho su mujer.

Acto 2

Las hijas del Rin tratan de encandilar a Sigfrido para que les devuelva el oro (robado en la primera parte de El oro del Rin) tañido y forjado en la forma del anillo del nibelungo. Comoquiera que Sigfrido no les devuelve el anillo, ellas le hacen partícipe de que si no lo hace, caerá sobre él la maldición del anillo lanzada por Alberich (el nibelungo) en El oro del Rin cuando le es sustraído a su vez dicho tesoro por Wotan, el dios supremo. Sigurd, agonizante, apenas tiene tiempo de pensar por última vez en los ojos de su amada Brunilda, antes de expirar.

Acto 3

Brunilda ordena armar una pira y poner sobre ella el cuerpo de su amado Sigfrido. Ella, por diferentes hechos y asesinatos como esposa de Sigfrido, hace suya la herencia, es decir, el anillo, y les dice a las hijas del Rin que mientras su cadáver se consume en el fuego junto al de su esposo, podrán recuperar el tesoro, el anillo, y que la maldición de Alberich se purificará con el fuego fatuo. Con la incineración de Sigfrido y Brunilda arde también a lo lejos, el Valhalla, la morada de los dioses.

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libreto alemán/español

LivingHorus

Age of Conan: Hyborian Adventures

Age of Conan: Hyborian Adventures es un videojuego MMORPG desarrollado por Funcom para PC. Es el primer episodio de la serie Age of Conan, ambientada en la Era Hiboria, un fantasioso escenario creado por Robert E. Howard (hace unos doce mil años, ocho mil años después del hundimiento de la Atlántida y siete mil antes del comienzo de la historia conocida), donde conviven pueblos tales como cimmerios, aquilonios, lemurios, pictos y estigios.

Knut Avenstroup Haugen es el autor de esta banda sonora, donde ha sabido mezclar de manera magistral la sonoridad épica de gran orquesta y coros o percusiones potentes con instrumentos étnicos y la delicadeza de la voz de Helene Bøksle, de Secret Garden.

Helene Bøksle interpretando en directo The Dreaming en un programa de la televisión noruega dedicado a la entrega de los premios Spellemannsprisen.

 

Concierto de Arkona

Arkona (Аркона) es una banda rusa de pagan metal y folk metal surgida en 2002 en Moscú. Sus letras están basadas en la historia rusa y la mitología eslava, además incorporan algunos instrumentos tradicionales de la música de Rusia (tales como balalaicas, domras, guslis, el acordeón ruso o bayan, zanfoñas, violines, tambores, flautas, etc).

Concierto completo de Arkona en el Key Club, Hollywood.

(folkmetal con raíces eslavas)

Mussorgsky - Noche en el monte pelado

Una Noche en el Monte Pelado es un poema sinfónico del compositor ruso Modest Mussorgsky, inspirado en un cuento de Nikolai Gógol, a su vez basado en leyendas y folklore ruso. El Monte Pelado, cerca de Kiev, era el lugar de encuentro de las brujas durante la noche de San Juan.

Músorgski encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra:

• Rumores subterráneos de voces sobrenaturales
• Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás)
• Glorificación de Chernabog y misa negra
• Sábado de brujas
• A lo lejos suena la campana de una iglesia del pueblo, dispersando a los espíritus de las tinieblas
• Amanecer.

Noche en el Monte Pelado: una sinfonía de terror y magia

Modest Mussorgsky, uno de los compositores más innovadores del siglo XIX, es conocido por sus obras evocadoras y poderosamente emotivas. Entre sus composiciones más destacadas se encuentra "Noche en el Monte Pelado" (originalmente titulada "Noche de San Juan en el Monte Pelado"), una pieza que captura la esencia del folclore eslavo y las visiones de lo sobrenatural. En este blog, exploraremos la historia, la inspiración y el impacto de esta obra sinfónica que sigue fascinando a audiencias de todo el mundo.

Introducción a la obra

"Noche en el Monte Pelado" es un poema sinfónico compuesto por Mussorgsky en 1867. La obra describe una noche de sabbat de brujas en el Monte Triglav (también conocido como Monte Pelado) durante la víspera de San Juan, una fecha cargada de misticismo y celebraciones paganas en la cultura eslava. A pesar de su impacto duradero, la pieza no fue interpretada públicamente durante la vida de Mussorgsky; fue su amigo y colega compositor Nikolai Rimsky-Korsakov quien la arregló y la presentó en 1886, varios años después de la muerte de Mussorgsky.

Inspiración y contexto

La inspiración para "Noche en el Monte Pelado" proviene del folclore ruso y de las historias de brujería y rituales paganos asociados con la Noche de San Juan. Mussorgsky estaba profundamente interesado en las leyendas populares y las tradiciones eslavas, y esta obra es una manifestación de esa fascinación. La noche del 23 al 24 de junio, según la tradición, es un momento en el que las fuerzas sobrenaturales están especialmente activas, y las brujas y espíritus se reúnen en los montes para celebrar sus oscuros rituales.

Estructura y descripción musical

"Noche en el Monte Pelado" está estructurada en varias secciones que juntas crean una narrativa musical que lleva al oyente a través de una noche de terror y éxtasis sobrenatural. A continuación se describe cada sección de la obra:

1. Introducción: La pieza comienza con una introducción ominosa que establece el tono de misterio y anticipación. Los instrumentos de viento y cuerdas crean una atmósfera inquietante.

2. La reunión de las brujas: A medida que la música se intensifica, la orquesta pinta una imagen vívida de las brujas volando y reuniéndose en el monte. Los ritmos frenéticos y las melodías agitadas capturan la energía caótica de la escena.

3. El sabbat de las brujas: En esta sección, la música alcanza su clímax con una representación musical del sabbat de las brujas. Las cuerdas y los instrumentos de viento imitan los cánticos y danzas de los espíritus, creando una sensación de frenesí y desenfreno.

4. Aparición de Satanás: La música se vuelve más sombría y poderosa cuando Satanás aparece para presidir el sabbat. Los temas musicales oscuros y majestuosos reflejan su presencia dominante.

5. Desvanecimiento del sabbat: Con el acercamiento del amanecer, la música se calma y las brujas y espíritus comienzan a dispersarse. La atmósfera cambia de siniestra a pacífica, marcando el final de la noche de terror.

6. Amanecer: La obra concluye con una sección tranquila y serena que simboliza la llegada del día y la dispersión de las fuerzas oscuras. Las cuerdas suaves y los acordes tranquilizadores proporcionan un sentido de cierre y alivio.

Impacto y legado

"Noche en el Monte Pelado" ha dejado una marca indeleble en la música clásica y la cultura popular. La versión orquestada por Rimsky-Korsakov se ha convertido en un pilar del repertorio sinfónico y ha sido interpretada por orquestas de todo el mundo. La obra también ha sido popularizada en otros medios, especialmente en el segmento "Una noche en el Monte Pelado" de la película de animación de Disney "Fantasía" (1940), donde la música de Mussorgsky se combina con impresionantes imágenes visuales para crear una experiencia evocadora y aterradora.

Conclusión

"Noche en el Monte Pelado" de Modest Mussorgsky es una obra maestra que captura la imaginación con su vívida representación de lo sobrenatural y su poderosa narración musical. A través de su estructura dinámica y sus temas evocadores, Mussorgsky nos transporta a una noche de magia y misterio, ofreciendo una visión única de las leyendas y tradiciones eslavas. La pieza sigue siendo una joya del repertorio orquestal y un testimonio del genio creativo de Mussorgsky.

Night On Bald Mountain - Fantasia (1941) (Theatrical Cut)

Una noche en el Monte Pelado en el Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales